Openart - Exposiciones http://www.openart.com/exposiciones Últimas exposiciones en Openart! es Fri, 24 May 2019 22:59:47 +0200 Exposiciones 60 <![CDATA[Colectiva en Artelandia]]> Fecha inicio: 21/05/2019
Fecha fin: 26/07/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2HLcyr2
Descripción:
Esta exposición, como continuidad de la actividad de nuestra galería, se organiza bajo el criterio de mostrar obras asequibles a todas la economías. Obras de formatos muy diversos, diversas técnicas artísticas, que permiten mantener unos precios muy asequibles de artistas consagrados Agustín Redondela Alfonso Albacete Antoni Clavé Bengt Lindström Carlos Nadal Cirilo Martínez Novillo Emilio Grau Sala Eugenio Granell Hernando Viñes Jorge Castillo Juan Barjola Benjamín Palencia Juan Manuel Díaz Caneja Manuel Hernández Mompó Nicolás Martínez Ortiz de Zárate Rafael Durancamps Rafael Zabaleta Ràfols Casamada
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Wed, 22 May 2019 17:30:55 +0200
<![CDATA[Ópera. Pasión, poder y política en Caixa Forum Madrid]]> Fecha inicio: 26/04/2019
Fecha fin: 11/08/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2Ii6oAB
Descripción:
El género operístico nace a finales del XVI y no tardará en trascender la restringida audiencia cortesana inicial, para llegar al gran público de la mano de Claudio Monteverdi. Desde las primeras óperas barrocas, que combinaban una amplia comedia con elementos trágicos, hasta las composiciones más contemporáneas, este género ha experimentado una rica transformación. Esta exposición se fija en los principales Teatros de la Ópera de Europa y recorre su historia con una aproximación desde tres perspectivas complementarias: la vertiente emocional y pasional de las obras; la perspectiva social con luchas de clase y poder; y los aspectos directamente relacionados con los argumentos y la propuesta creativa de las óperas. La coronación de Popea, de Monteverdi inicia el recorrido en la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo, de G. F. Händel para imaginar el Londres de 1711. La música de la ilustración queda representada con Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Viena de 1786. Con Nabucco, de Giuseppe Verdi se llega al Risorgimento italiano en el Milan de 1842. Richard Wagner nos traslada al París 1861 para descubrir el polémico estreno de Tannhäuser. En el idílico Dresden de 1905 se estrenó Salomé de R. Strauss, la obra que provocó escándalo en su momento por su pretendida locura e indecencia. Lady Macbeth, de Dmitri Shostakóvich, nos adentra al Leningrado de 1934 y la censura propia del régimen soviético. Por último, se completa la muestra con una importante sección dedicada a la Barcelona modernista que acogió el estreno de la ópera Pepita Jiménez de Isaac Albéniz en 1896. Esta sección es fruto de la cooperación con el Gran Teatre del Liceu, coincidiendo con el 20 aniversario de la reconstrucción del
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Tue, 07 May 2019 18:07:51 +0200
<![CDATA[De Chagall a Malévich: el arte en revolución en Fundación MAPFRE]]> Fecha inicio: 09/02/2019
Fecha fin: 05/05/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2MuHnCe
Descripción:
A principios del siglo XX Rusia se consolidó como uno de los centros de la vanguardia artística mundial del que surgieron algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos. Muchos artistas del país viajaron a Francia y Alemania, donde entraron en contacto con los movimientos culturales más avanzados, y algunos coleccionistas cumplieron un papel clave al adquirir numerosas obras vanguardistas en las galerías de París, para fomentar la difusión de ese arte nuevo en las capitales rusas. El ambiente social que desembocó en la Revolución de Octubre de 1917 explica de qué modo las propuestas de estos artistas acompañaron, anunciaron o glosaron lo que iba a ser el proceso revolucionario y el cambio de paradigma que conllevó su llegada. Porque no fue la revolución la que forjó las vanguardias y la modernidad: fueron los artistas los que se erigieron en revolucionarios, seguros de que cuando llegara la revolución se convertiría en lo que esperaban, y, por consiguiente, en lo que la misma esperaba de ellos. La realidad no cumplió sus expectativas, dando origen a desilusiones, que también fueron las semillas de un nuevo lenguaje visual. La muestra tiene como figuras de referencia a Marc Chagall y Kazimir Malévich, en la medida en que representan dos polos en las innovaciones de la vanguardia pictórica: el caso de Chagall, más poético y narrativo que abre el camino al surrealismo; el de Malévich, más radical y tendente a la abstracción geométrica. Entre ambos se despliega la obra de otros veintisiete artistas que trabajan la pintura y la escultura al tiempo que contestan los principios fundamentales de esas artes. En el elenco de creadores es destacable la presencia de una importante nómina de mujeres artistas, cuyo trabajo resultó fundamental en el desarrollo de las vanguardias rusas previo y posterior a la Revolución de Octubre. Entre otros, Natalia Goncharova, Liubov Popova, El Lisitski, Vassily Kandinsky o Alexandr Ródchenko, así como de una selección de artistas responsables de la renovación del campo del diseño gráfico, que vive un extraordinario desarrollo en esas décadas de fervor creativo y compromiso político. La exposición concluye en los años treinta, momento crítico en que los artistas ven reducida su capacidad de acción ante la evolución del régimen hacia un estado totalitario.
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Wed, 10 Apr 2019 12:46:03 +0200
<![CDATA[Alberto Giacometti en el Museo del Prado en Museo del Prado]]> Fecha inicio: 02/04/2019
Fecha fin: 07/07/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2FNymST
Descripción:
El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta "Giacometti en el Museo del Prado", uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente. Aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs doeuvre du Musée du Prado celebrada en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil Española. En esa exposición se encontraban representados varios de los pintores predilectos de Giacometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya o Velázquez. Carmen Giménez, su comisaria, concibe la exposición como un paseo póstumo, donde las esculturas del artista, transitan por las galerías principales del Prado. Las 20 obras expuestas -18 esculturas y dos óleos- proceden de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, continúa frente a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidad al Lavatorio de Tintoretto, discurre junto a la obra del Greco y contrasta con los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules.
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Wed, 10 Apr 2019 12:41:41 +0200
<![CDATA[Tetsuya Ishida Autorretrato de otro en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 12/04/2019
Fecha fin: 08/09/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2TYDwzx
Descripción:
Palacio de Velázquez, Parque del Retiro La obra del artista japonés Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973 - Tokio, 2005) pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión. Durante los escasos diez años de su trayectoria, Ishida produce un formidable corpus de trabajo centrado en la incomunicación y alienación en un mundo dominado por fuerzas incontrolables. La imaginería recurrente del escolar/oficinista le sirve para realizar una crítica acerada de los sistemas educativos y laborales regidos por los imperativos de productividad y competitividad. La metamorfosis del cuerpo humano fusionado con ciertas especies de insectos, dispositivos tecnológicos o medios de transporte; las situaciones claustrofóbicas en las que el cuerpo se halla físicamente atrapado en agujeros y construcciones, o forma parte de una cadena de montaje como si de un engranaje más se tratara; la búsqueda de la identidad ligada a la necesidad primaria del retorno a la niñez y al componente escatológico reprimido; el lustro perdido de los parques de atracciones y la tristeza que invade los terrenos baldíos funcionan como telón de fondo para la apatía de una sociedad que ha sucumbido a la maquinaria de la producción y del consumo infinitos.
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Wed, 10 Apr 2019 12:36:10 +0200
<![CDATA[Rogelio López Cuenca Yendo leyendo, dando lugar en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 03/04/2019
Fecha fin: 26/08/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2FLdT1b
Descripción:
3 de abril - 26 de agosto, 2019 / Edificio Sabatini, Planta 3 Desde que comenzara su carrera en los años ochenta, Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959) ha trabajado en el cruce de la poesía con las artes visuales y los medios de comunicación de masas. Desplazando la escritura fuera de la página, ha practicado una poesía visual propia que se mueve dentro de la tradición de la crítica institucional y las derivas del pop, a través de múltiples medios como la pintura, la instalación, la intervención urbana y la edición. En sus inicios, López Cuenca investiga en torno a la música y el trabajo colaborativo, en particular junto con el grupo musical Peña Wagneriana y los colectivos Agustín Parejo School y UHP (Uníos, Hermanos Proletarios). En estas primeras incursiones se ponen de manifiesto ciertas preocupaciones que el artista aborda también de forma individual, como son el espacio de la ciudad, el lenguaje popular y el lenguaje de las vanguardias. En torno a 1992, en el marco del V Centenario del Descubrimiento de América, la Exposición Universal de Sevilla, la Capitalidad Cultural de Madrid y las Olimpiadas de Barcelona, se produce un punto de inflexión en su obra. A partir de entonces realiza distintas intervenciones críticas con el sistema contemporáneo, en las que se reflejan cuestiones que recorren su trabajo, como las políticas migratorias y de la memoria histórica, o las nuevas formas de especulación urbana y de espectacularización de la cultura, síntomas del incipiente capitalismo cognitivo. López Cuenca toma imágenes y textos provenientes de diferentes medios de la alta y baja cultura, que en muchos casos coloca en dispositivos publicitarios o comerciales en el espacio público, para denunciar situaciones de violencia y discriminación que funcionan tanto en términos históricos como actuales. Cabe destacar la capacidad de inscripción de su obra fuera del ámbito del museo, generando cortocircuitos en diferentes sistemas de circulación social de imágenes, con lo que pone en cuestión tanto la unicidad de la obra de arte como su espacio de contemplación convencional. En esta exposición, primera retrospectiva del artista, se repasan sus principales preocupaciones, que han dado lugar a un corpus de obras de marcado carácter dialógico e inequívoca vocación procesual, con las que indaga en cómo se construyen los relatos hegemónicos, tanto en el ámbito político-económico como en el socio-cultural, y explora las fisuras que se pueden abrir en ellos. La muestra concluye con una instalación, Las islas, producida especialmente para la exposición, en la que López Cuenca hace una relectura crítica de textos y grabados históricos relacionados con el "descubrimiento" de América.
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Wed, 10 Apr 2019 12:32:28 +0200
<![CDATA[Olga Picasso en Museo Picasso]]> Fecha inicio: 26/02/2019
Fecha fin: 02/06/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2WVo0XH
Descripción:
Desde el 26 de febrero y hasta el 2 de junio de 2019, el Museo Picasso Málaga presenta la figura y la historia de Olga Khokhlova, primera esposa de Pablo Picasso, en la muestra con la que inaugura su programa expositivo del 2019, Olga Picasso. La exposición - que surge de las cartas y fotografías encontradas en el baúl de viaje de esta bailarina rusa, abuela de Bernard Ruiz-Picasso - aborda los años que compartieron como pareja, poniendo en perspectiva la realización de algunas de las grandes obras de Picasso, y reconstruyendo esta producción en el marco de una historia personal que transcurre paralela a otra historia política y social. Hija de un coronel de la armada imperial rusa, Olga Khokhlova (Nezhin, Ucrania,1891- Cannes, Francia,1955) se incorporó en 1911 a los Ballets Rusos, la prestigiosa e innovadora compañía de danza que triunfó en la Europa de principios del siglo XX bajo la dirección de Serguéi Diághilev. Conoció a Pablo Picasso en Roma en la primavera de 1917, cuando el artista realizaba los decorados y el vestuario del ballet Parade. Contrajeron matrimonio en París el 12 de julio de 1918 y en febrero de 1921 nació su primero y único hijo, Paulo. La pareja se separó en 1935, aunque continuaron casados hasta la muerte de ella en Cannes, en el año 1955. Del baúl de viaje de aquella bailarina rusa - que su hijo recibió al heredar la mansión de Boisgeloup y que actualmente es propiedad de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA) - surgieron las cartas y fotografías que han permitido recrear una historia personal y artística que transcurre paralela a otra historia política y social. En su interior y durante muchos años, sus cajones custodiaron sobres de Kodak repletos de fotografías que contaban la historia de sus abuelos, de su vida en común, de sus viajes, de los talleres de Picasso... Otros compartimentos preservaron cientos de cartas en francés y en ruso, atadas con pequeños lazos de seda rosa o azul. La maleta de Olga, grabada con sus iniciales, salvaguardaba asimismo sus atuendos de danza: zapatillas, tutús, programas de ballet...y otros objetos más personales, como un crucifijo o una biblia ortodoxa en ruso. El contenido de aquella valija, el único bien personal que ella conservó tras su separación de Picasso, ha permitido contextualizar algunos aspectos del trabajo de Picasso durante su vida con Olga. Aproximadamente 350 objetos, incluyendo pinturas, obras en papel, fotografía, cartas, documentación y películas, serán mostradas en esta exposición co-comisariada por Émilia Philippot, conservadora del Musée national Picasso- Paris; Joachim Pissarro, profesor de Historia del Arte y director del Hunter College Art Gallery (Nueva York); y Bernard Ruiz-Picasso, co-presidente de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, FABA, y presidente del Consejo Ejecutivo y miembro del Patronato del Museo Picasso Málaga. Para el Museo Picasso Málaga, la exposición ha sido adaptada por José Lebrero, director artístico de la pinacoteca, y Sofía Díaz, coordinadora de exposiciones.
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Tue, 26 Feb 2019 12:08:35 +0100
<![CDATA[Balthus en Museo Thyssen-Bornemisza]]> Fecha inicio: 19/02/2019
Fecha fin: 26/05/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museothyssen.org/exposiciones/balthus
Descripción:
El museo presenta en 2019 una exposición retrospectiva del legendario artista Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), conocido como Balthus, organizada conjuntamente con la Fondation Beyeler en Riehen / Basilea donde se presenta de septiembre de 2018 a enero de 2019. Considerado como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX, Balthus es sin duda uno de los pintores más singulares de su tiempo. Su obra, diversa y ambigua y tan admirada como rechazada, siguió un camino virtualmente contrario al desarrollo de las vanguardias. El propio artista señala explícitamente algunas de sus influencias en la tradición histórico-artística, de Piero della Francesca a Caravaggio, Poussin, Géricault o Courbet. En un análisis más detenido, se observan también referencias a movimientos más modernos, como la Neue Sachlichkeit, así como de los recursos de las ilustraciones populares de libros infantiles del siglo XIX. En su desapego de la modernidad, que podría calificarse de 'posmoderno', Balthus desarrolló una forma personal y única de arte de vanguardia, un estilo figurativo alejado de cualquier etiqueta. Su personal lenguaje pictórico, de formas contundentes y contornos muy delimitados, combina los procedimientos de los maestros antiguos con determinados aspectos del surrealismo y sus imágenes encarnan una gran cantidad de contradicciones, mezclando tranquilidad con tensión extrema, sueño y misterio con realidad o erotismo con inocencia. La exposición, comisariada por Raphaël Bouvier, con el apoyo de Michiko Kono, y Juan Ángel López-Manzanares, reúne pinturas clave de todas las etapas de su carrera desde la década de 1920, arrojando luz sobre las diversas formas de interacción intelectual en sus cuadros entre las dimensiones de espacio y tiempo, la relación entre figura y objeto, así como sobre la esencia de su enigmática obra.
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Tue, 19 Feb 2019 11:38:54 +0100
<![CDATA[Tàpies. Materia y signo. en Artelandia]]> Fecha inicio: 14/02/2019
Fecha fin: 17/05/2019
Horario: Ver en web
Web: http://www.artelandia.com/es/exposiciones/tapies-materia-y-signo
Descripción:
Su fuerte capacidad lírica y evocadora, y la solemnidad contemplativa que emana de su obra, la convierten en una de las más profundas reflexiones existenciales del arte del siglo XX. La obra de Tàpies, inicialmente surrealista, se desarrolló a partir de 1953 entre el drama existencialista y la actitud meditativa del budismo zen. El pintor catalán es probablemente el ejemplo más complejo y creativo de la pintura matérica, una de las ramas principales del arte informalista, previamente desarrollada por Fautrier y Dubuffet. La incorporación de grafismos gestuales, signos y objetos de desecho, y la realización de obras tridimensionales, han enriquecido la evolución del pintor, haciéndole partícipe de aspectos del arte povera y del mundo de las instalaciones. La presencia de la escritura en sus obras devuelve al signo toda su capacidad ideográfica y otorga al lenguaje una fuerza con un valor mágico-religioso, de raíz claramente románica. Los signos están presentes, atados a nuevas conexiones y con nuevos elementos, pero siempre presentes. Y así, su creatividad tiene siempre como resultado obras de una gran contundencia plástica.
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Fri, 15 Feb 2019 18:45:28 +0100
<![CDATA[CON NOBLE MADERA en Galería de Arte Pilares]]> Fecha inicio: 04/02/2019
Fecha fin: 22/02/2019
Horario: Lunes a viernes, de 10-14`30h, y de 16`30h a 21h.
Web: www.galeriapilares.com
Descripción:
Bajo el título, CON NOBLE MADERA, el artista Ángel Belinchón sigue el curso de Lucio Muñoz y Francisco Farreras, explorando el universo expresivo de la madera. Siempre desde materiales reciclados, y a caballo entre la escultura y la pintura, el autor construye sus obras utilizando la idea de lo bello como sinónimo de espiritualidad y recogimiento.
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Wed, 06 Feb 2019 18:04:33 +0100
<![CDATA[MAN RAY. Objetos de ensueño en Fundación Canal]]> Fecha inicio: 31/01/2019
Fecha fin: 21/04/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.fundacioncanal.com/21381/man-ray-objetos-de-ensueno/
Descripción:
Desde el 31 de enero y hasta el 21 de abril se podrá visitar en la Fundación Canal la exposición "Man Ray. Objetos de ensueño", cuyas obras proceden de diversas colecciones privadas españolas y europeas, reunidas en exclusiva para esta muestra, y que conjuntamente ofrecen un ambicioso y completo recorrido por los pensamientos del maestro del surrealismo, por su extraordinaria creatividad y por los temas que abordó y reflejó en sus trabajos durante su trayectoria profesional. La exposición, que incluye más de un centenar de piezas, ha conseguido recopilar una cuidada selección de fotografías y una gran representación de objetos, que sorprenderán extraordinariamente al visitante. Estos objetos fueron bautizados por el poeta francés Robert Ribemont-Dessaignes como "objetos de ensueño", porque se sitúan a medio camino entre los recuerdos, los sueños y los deseos. Precisamente es en este camino donde se sitúa esta exposición, y así se refleja en el título de la misma. Las seis secciones que componen la muestra dibujan un singular viaje por el mundo onírico del artista. En ellas podemos contemplar, además de sus conocidos "objetos imposibles", obras tan icónicas como sus famosas rayografías, sus inquietantes maniquíes o las "máquinas poéticas" que reflejan la estrecha relación y complicidad entre el artista y su gran amigo Macel Duchamp.
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Thu, 31 Jan 2019 11:55:49 +0100
<![CDATA[Jaume Plensa Invisibles en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 16/11/2018
Fecha fin: 03/03/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/jaume-plensa
Descripción:
Desde sus comienzos como escultor, Jaume Plensa (Barcelona, 1955) recurre a la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva como fuentes fundamentales para trabar su expresión plástica. La literatura, la psicología, la biología, el lenguaje y la historia devienen herramientas estratégicas en la creación de sus obras. Con un amplio espectro de materiales (acero, hierro fundido, resina, vidrio, agua o sonido), Plensa proporciona peso y volumen físico a los componentes de la condición humana y lo efímero. Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo. Artista polifacético, Jaume Plensa ha experimentado por igual con el grabado, el dibujo, el sonido, el vídeo e incluso la escenografía. Es uno de los creadores españoles de mayor proyección internacional. Ha vivido y trabajado en Alemania, Gran Bretaña, Francia y los Estados Unidos. Tras su primera exposición individual en 1980, en la Fundació Joan Miró de Barcelona, su obra se ha mostrado en museos de todo el mundo, entre ellos la Galerie nationale du Jeu de Paume de Paris, Francia; el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania; el Nasher Sculpture Center de Dallas, EE.UU.; el Espoo Museum of Modern Art de Helsinki, Finlandia; el Toledo Museum of Art, Toledo, EE.UU.; el Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint Étienne, Francia o el Madison Museum of Contemporary Art, EE.UU. Una parte importante de su trabajo son piezas escultóricas e instalaciones que se han realizado específicamente para espacios públicos. Quizás la obra más conocida sea Crown Fountain, en Chicago, fechada en 2004. Sus obras se pueden ver en países como Gran Bretaña, Japón, Alemania, Suecia, Canadá, Estados Unidos, Australia, Corea o China. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales: la Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres del Ministerio de Cultura francés en 1993; el Premi Nacional de Cultura d'Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya en 1997; el Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2012; y el prestigioso Premio Velázquez de las Artes en 2013, los dos últimos del Ministerio español de Educación, Cultura y Deporte. Fue investido Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute de la Universidad de Chicago en 2005 y recibió el Global Fine Art Award en Miami en 2015 por Together, su participación en la Bienal de Venecia del mismo año. Este proyecto coincide con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) con obras desde la década de 1980 hasta las más recientes, en un recorrido que refleja el diálogo, recurrente en la trayectoria de Plensa, entre la representación de la figura humana y la abstracción.
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Tue, 22 Jan 2019 17:51:37 +0100
<![CDATA[Poéticas de la democracia Imágenes y contraimágenes de la Transición en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 05/12/2018
Fecha fin: 25/11/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/poeticas-democracia
Descripción:
5 diciembre, 2018 - 25 noviembre, 2019 / Edificio Nouvel, Planta 0 Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición tiene su origen en la investigación emprendida en 2008 por el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofia, con el objetivo de reivindicar las experiencias artísticas excluidas del discurso institucional de la historia del arte español de la década de 1970. Este cambio de perspectiva se ha ido traduciendo en nuevas narraciones y procesos de patrimonialización de materiales que, unidos a una recuperación de lo político -fundamental en la España de esos años-, permiten evocar acontecimientos en los que diversos artistas (y los soportes y medios que utilizaron), abandonando su estudio, participaron en comunidad y llevaron su obra más allá de la objetualidad. Con esta exposición, que pone el acento en lo participativo, reivindicativo y colectivo, el Museo da visibilidad a este proceso de investigación que ha llevado a cabo durante una década, rememorando un periodo en el cual, junto a las demandas civiles en favor de las libertades democráticas, la justicia social y el autogobierno, surge una nueva estética vinculada a prácticas culturales innovadoras que buscan subvertir el orden franquista y los diseños institucionales que tratan de heredarlo. En este contexto, el relato de la exposición se inicia con un caso de estudio contrapuesto a esos procesos de emergencia de una cultura juvenil y ciudadana de voluntad autónoma: la Bienal de Venecia de 1976, un acontecimiento artístico -cuya transcendía política no ha sido lo suficientemente estudiada- que encierra un discurso cerrado y representativo del arte antifranquista del momento. Las vicisitudes, conflictos, diálogos y articulaciones teóricas que se sucedieron dentro y fuera de España durante la organización de la Bienal, bien pueden funcionar como metáfora de una época convulsa para la historia española: la transición de una dictadura militar de 40 años de duración a una democracia. Este periodo, que suele ser considerado por los historiadores como un momento marcado por el consenso, aparece sin embargo atravesado por numerosos desafíos, desencuentros y contradicciones, los cuales acompañarán a la nueva oficialidad institucional, que comienza a configurarse en paralelo a aquella Bienal.
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Tue, 22 Jan 2019 17:48:14 +0100
<![CDATA[Colectiva en Artelandia]]> Fecha inicio: 29/11/2018
Fecha fin: 13/02/2019
Horario: Ver en web
Web: http://www.artelandia.com/es/exposiciones/colectiva
Descripción:
Colectiva Del Jueves 29/11/2018 al 31/01/2019 La galería Artelandia presenta una exposición colectiva desde el 29 de noviembre de 2018 hasta el 31 de enero de 2019. Una selección de obras que recorren el arte contemporáneo a través de los fondos de nuestra galería, diversas tendencias artísticas forman parte de las propuestas que podréis encontrar en esta exposición. Entre los artistas que forman parte de este proyecto expositivo contamos con Antonio Saura, Antoni Tàpies, Albert Ràfols-Casamada, Manuel Rivera, José Manuel Broto, José Guerrero, Victor Vasarely, Eduardo Chillida, Joan Hernández Pijuán, Bosco Sodi etc.
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Thu, 29 Nov 2018 12:58:07 +0100
<![CDATA[Joaquín Mir. Naturaleza y color en Galeria Jordi Pascual]]> Fecha inicio: 03/12/2018
Fecha fin: 31/01/2019
Horario: Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h y 16:30h a 20:30h; Sábados 10:30h a 14:00h
Web: www.galeriajordipascual.net
Descripción:
Durante los meses de diciembre y enero, la Galeria Jordi Pascual presenta una exposición monográfica sobre el artista impresionista Joaquín Mir (Barcelona 1873 - 1940). Bajo el título de "Joaquín Mir. Naturaleza y color" la muestra reúne una docena de paisajes que el artista pintó en distintos momentos de su vida. En la exposición se puede ver desde una obra temprana, de 1897, hasta una selección de pinturas de los periodos del Camp de Tarragona, el Vallès y Vilanova i la Geltrú. Como obras importantes expuestas destacan "El Mas Blau", de gran calidad pictórica y dimensiones espectaculares, y "Noviembre", óleo premiado con la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Madrid de 1930. Joaquín Mir fue un paisajista excepcional, un pintor con una personalidad artística única que, a través de su rica paleta de colores, la pincelada ágil y la forma especial en que captaba la luz, fue capaz de revolucionar y cambiar el género paisajístico español del momento.
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Thu, 22 Nov 2018 11:34:36 +0100