Openart - Exposiciones http://www.openart.com/exposiciones Últimas exposiciones en Openart! es Wed, 13 Nov 2019 00:15:17 +0100 Exposiciones 60 <![CDATA[La Bauhaus en las colecciones Thyssen en Museo Thyssen-Bornemisza]]> Fecha inicio: 28/10/2019
Fecha fin: 12/01/2020
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2MWPTvG
Descripción:
Con motivo de la conmemoración del centenario de la Bauhaus, el museo organiza una pequeña exposición con obras de artistas vinculados históricamente a la escuela y pertenecientes a la colección permanente. La muestra pondrá un especial énfasis en aquellas creadas en el periodo de actividad de la Bauhaus (1919-1933) y, en algún caso, mostradas en exposiciones organizadas por la escuela. El proyecto, comisariado por el equipo curatorial del museo, incluye la publicación de un pequeño catálogo explicativo. Además, con la colaboración de la Embajada de Alemania, educaTHYSSEN ha desarrollado el programa educativo Vorkurs, inspirado en el curso de acceso a la Bauhaus de igual nombre y creado por el artista Johannes Itten, figura central en el periodo de fundación de la famosa escuela.
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Wed, 30 Oct 2019 12:02:33 +0100
<![CDATA[Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann en Museo Guggenheim]]> Fecha inicio: 25/10/2019
Fecha fin: 16/02/2020
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2Na2GK5
Descripción:
Obras maestras de la Kunsthalle Bremen: de Delacroix a Beckmann narra la historia de esta colección alemana y su precoz dedicación al arte moderno a través de la yuxtaposición de obras de arte francesas y alemanas realizadas en el período comprendido entre el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. La exposición relata la excepcional historia de este museo, caracterizado por su sólido compromiso cívico, la intensa relación entre el coleccionismo privado y la tutela institucional, y una temprana labor de investigación profesional y de promoción del arte moderno. Este desarrollo histórico, específico de la ciudad de Bremen, sin embargo, refleja y, en ocasiones, cristaliza los debates que se produjeron tanto a nivel nacional e internacional en torno al arte moderno y su relevancia. La exposición pone de relieve la influencia que ejercieron sobre la colección de la Kunsthalle los discursos contemporáneos sobre el arte moderno y su recepción en Alemania, el primer país en adoptar el Impresionismo y el Posimpresionismo. Este complejo entramado de historias locales, tendencias nacionales y movimientos internacionales presenta una imagen vívida y singular del arte europeo creado entre el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. La Kunstverein de Bremen fue fundada en 1823 por un grupo de ciudadanos comprometidos y amantes del arte con el objetivo expreso de mejorar el "sentido de la belleza" de la sociedad. Nacida de los humildes inicios de un grupo de aficionados y expertos en arte con ideas afines que se reunían para hablar sobre sus colecciones de grabados y dibujos, la membresía de la Kunstverein aumentó rápidamente cuando comenzó a organizar exposiciones públicas y a crear su colección, inaugurando su propio museo, la Kunsthalle Bremen, en 1849. Cincuenta años más tarde, en 1899, la sociedad nombró a su primer director científico, el historiador del arte Gustav Pauli. Su enfoque erudito refinó y realzó el perfil de la colección, que se había ido formando gracias a las donaciones privadas de sus miembros bajo la dirección de responsables no expertos. Pauli basó su política de adquisiciones en el diálogo dinámico entre el arte francés y el alemán, construyendo una historia de líderes y acólitos, de competencia y solidaridad, de admiración y rebelión y, en última instancia, de su propia identidad. Esta es también la historia del progreso de una ciudad con conexiones globales que se ha ido forjando a lo largo de siglos de actividad empresarial y comercial, construcción naval y navegación marítima que evoca la peripecia del propio Bilbao. Exposición organizada por Kunsthalle Bremen y el Museo Guggenheim Bilbao Comisarios: Christoph Grunenberg, Director de la Kunsthalle Bremen y Petra Joos, Curator Museo Guggenheim Bilbao Paul Cézanne Pueblo entre árboles (Marines), ca. 1898 [Dorf hinter Bäumen (Marines)] Óleo sobre lienzo 66 × 82 cm Kunsthalle Bremen - Der Kunstverein in Bremen Adquirido en 1918 Inv. 373-1918/1 Foto: Lars Lohrisch
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Fri, 25 Oct 2019 11:45:37 +0200
<![CDATA[Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana en Museo del Prado]]> Fecha inicio: 22/10/2019
Fecha fin: 02/02/2020
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/308SuHn
Descripción:
En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta "Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Historia de dos pintoras", una exposición que reúne por primera vez los trabajos fundamentales de dos de las mujeres más notables de la historia del Arte de la segunda mitad del siglo XVI. A través de un total de sesenta y cinco obras -cincuenta y seis de ellas, pinturas- procedentes de más de una veintena de colecciones europeas y americanas, el Museo del Prado recorre la trayectoria artística de estas dos pintoras, que alcanzaron reconocimiento y notoriedad entre sus contemporáneos, pero cuyas figuras se fueron desdibujando a lo largo del tiempo. Comisaria: Leticia Ruiz, Jefa del Departamento de Pintura Española hasta 1500
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Tue, 22 Oct 2019 12:30:43 +0200
<![CDATA[Thomas Struth en Museo Guggenheim]]> Fecha inicio: 02/10/2019
Fecha fin: 19/01/2020
Horario: Ver en web
Web: https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/thomas-struth
Descripción:
La singularidad de las imágenes de Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) procede de las cuestiones que el autor se formula a sí mismo -y plantea al observador-sobre la importancia del espacio público, el potencial de cohesión de los vínculos familiares, la relevancia de la naturaleza y la cultura, y los límites y posibilidades de las nuevas tecnologías. Struth logra traducir temas fundamentales, como la inestabilidad de las estructuras sociales y la fragilidad de la existencia, en imágenes de gran elegancia formal que requieren de la participación y la empatía del espectador. De este modo, el artista transforma al público de observador en aliado para indagar en los mismos valores sociales, éticos y humanos. Thomas Struth ofrece un completo recorrido a través de más de cuatro décadas de trabajo de este pionero fotógrafo alemán, poniendo de relieve las preocupaciones sociales que han propiciado la evolución de su influyente arte a lo largo de las diferentes fases de su carrera. Esta presentación relaciona las ideas iniciales de Struth -reflejadas en el material de archivo que el artista ha reunido a lo largo de los años- con grupos de obras bien definidos, desde el primero, Lugares inconscientes, hasta conjuntos como Retratos de familia, Fotografías de museos, Público, Nuevas imágenes del Paraíso y Este lugar. Estos trabajos dialogan con otras creaciones, como Proyecto Berlín, un vídeo concebido en 1997 en colaboración con el videoartista Klaus vom Bruch, o las fotografías de paisajes y de flores que Struth creó para las habitaciones del Hospital Lindberg, posteriormente recopiladas en la monografía Dandelion Room (La habitación del diente de león), además de otros conjuntos de obras más recientes, como Naturaleza & Política y Animales. Las conexiones entre estos trabajos ponen de relieve la capacidad de Struth para combinar el análisis y la creación fotográfica a la hora de abordar múltiples temas y medios, en imágenes fotográficas de gran fuerza. Exposición organizada por la Haus der Kunst, Múnich, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao. Comisarios: Thomas Weski y Lucía Agirre Thomas Struth Kyoko y Tomoharu Murakami (Kyoko and Tomoharu Murakami), Tokio, 1991 Impresión de tinta 151 x 187 cm © Thomas Struth
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Thu, 17 Oct 2019 17:16:03 +0200
<![CDATA[FRANCESCA WOODMAN. Ser un ángel On being an angel en Fundación Canal]]> Fecha inicio: 03/10/2019
Fecha fin: 03/01/2020
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/33phfQo
Descripción:
De ella se ha dicho que era excéntrica, introvertida, apasionada, carismática, provocadora, muy teatral, que estaba frenéticamente obsesionada con su imagen y con la búsqueda del yo... Hablamos de la indescifrable Francesca Woodman (Denver, 1958 - Nueva York, 1981), que inaugura la temporada de otoño de la Fundación Canal con Ser un ángel / On being an angel, una exposición monográfica que incluye lo más representativo de su obra a través de 102 fotografías y 6 cortometrajes. Con un talento innato y precoz, Woodman creó un corpus fotográfico impregnado de simbolismo. Sus imágenes están centradas fundamentalmente en el cuerpo de la mujer en general y en ella misma en particular. Se autorretrató desnuda, retorcida, semi oculta, disfrazada y desdibujada en lugares abandonados, casi fantasmagóricos. En sus fotografías encontramos referencias a una belleza frágil y etérea, a la vez de tenebrosa y, en muchos casos, en escenarios bucólicos y decadentes. Tras su trágico suicidio en 1981, Francesca Woodman se convirtió en una fotógrafa de culto que, a día de hoy, sigue generando debate y preguntas sin respuesta. Todo ello forma parte de ese halo de misterio que rodea a su figura y que está presente en cada una de las fotografías de esta exposición, cuyo título hace referencia a uno de los temas preferidos que la artista: "ser un ángel".
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Tue, 15 Oct 2019 12:03:46 +0200
<![CDATA[Los impresionistas y la fotografía en Museo Thyssen-Bornemisza]]> Fecha inicio: 15/10/2019
Fecha fin: 26/01/2020
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2mtas80
Descripción:
Desde los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, tras el descubrimiento en años posteriores de las técnicas de impresión fotográfica en papel, la relación de la fotografía y la pintura fue muy estrecha. El ojo artificial de la cámara de fotógrafos como Le Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimuló en Manet, Degas y en los jóvenes impresionistas el desarrollo de un nuevo modo de mirar el mundo. La fotografía le valió al impresionismo no solo como fuente iconográfica sino también como inspiración técnica, tanto en la observación científica de la luz o en la representación de un espacio asimétrico y truncado como en la exploración de la espontaneidad y la ambigüedad visual. Asimismo, por influencia de la nueva factura impresionista, algunos fotógrafos comenzaron a preocuparse por la materialidad de sus imágenes y a buscar fórmulas para hacer sus fotografías menos precisas y con un efecto más pictórico. El papel primordial que ha adquirido hoy la fotografía en el panorama del arte contemporáneo ha hecho resurgir el interés de la historiografía artística por el impacto que su invención provocó en las artes plásticas. La exposición Los impresionistas y la fotografía se suma a esta línea historiográfica, planteando una reflexión crítica sobre las afinidades e influencias mutuas entre fotografía y pintura, sin olvidar la fructífera polémica entre críticos y artistas que su aparición desencadenó en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX. La muestra, comisariada por Paloma Alarcó, se articula en nueve capítulos temáticos - El bosque, Figuras en el paisaje, El agua, En el campo, Los monumentos, La ciudad, El retrato, El cuerpo y El archivo - en los que confluyeron los intereses de pintores y fotógrafos.
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Tue, 15 Oct 2019 11:55:26 +0200
<![CDATA[Musas insumisas en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 25/09/2019
Fecha fin: 23/03/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2mouwbA
Descripción:
Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80 25 septiembre, 2019 - 23 marzo, 2020 / Edificio Sabatini, Planta 3 Delphine Seyrig (1932-1990) es conocida sobre todo por los papeles que interpretó en el cine francés de autor y, muy especialmente, en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais, figurando como símbolo de una feminidad idealizada y sofisticada. Sin embargo, "actuar" no fue solo una profesión para Seyrig: durante la década de 1970 se convirtió, de hecho, en una activista que trabajó en compromiso con las redes del movimiento feminista. Al mismo tiempo, colaborar con cineastas mujeres como Chantal Akerman, Marguerite Duras o Ulrike Ottinger le permitió explorar otros papeles femeninos y deshacer su propia imagen de diva. A mediados de los setenta del siglo XX, junto con la vídeo-realizadora Carole Roussopoulos y la traductora Ioana Wieder, produjeron una serie de vídeos bajo el nombre colectivo de Les Insoumuses [Las Insumusas]. En sus cintas, como Sois belle et tais-toi [Calladita estás más guapa, 1976], SCUM Manifesto [Manifiesto SCUM,1976] y Maso et Miso vont en bateau [Maso y Miso van en barco, 1976], el vídeo se convirtió en una herramienta emancipadora y un agente de activismo político. En 1982, las tres mujeres fundaron el Centre audiovisuel Simone de Beauvoir en París, estableciendo un archivo audiovisual sin precedentes sobre algunas de las luchas que estaban teniendo lugar en la época, tanto en Francia como en otros lugares, entre ellas: la disputa por el aborto legal; contra la tortura y la guerra de Vietnam; por los derechos de las trabajadoras sexuales y las prisioneras políticas, así como la implicación en el movimiento de la anti-psiquiatría. Musas insumisas: Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80 explora la intersección entre las historias del cine, el vídeo y el feminismo en Francia. Centrándose en la emergencia de los colectivos de vídeo de la década de 1970, la exposición propone reconsiderar la historia del movimiento feminista en Francia a través de un conjunto de prácticas con medios audiovisuales, atendiendo a una red de alianzas creativas que surgieron en un tiempo de gran agitación política. Tanto Seyrig como su amiga y también actriz Jane Fonda, la realizadora Babette Mangolte, la poeta y pintora Etel Adnan, la escritora y activista Kate Millett o la filósofa Simone de Beauvoir se presentan como nodos de un tejido más amplio, plural y transnacional. Películas, vídeos, obras de arte, fotografías, documentos y materiales de archivo dialogan en secciones que muestran las preocupaciones políticas que el movimiento feminista puso sobre el tapete en ese momento histórico, y que resuenan en problemáticas que conciernen al arte y la política de hoy, mientras l+s feminist+s continúan construyendo alianzas, se levantan contra el sexismo estructural de la industria del cine y desafían los roles de género normativos. Las a menudo incómodas posiciones de Seyrig entre lo estético (cine, vídeo), el sistema del trabajo (profesión e industria) y el activismo están marcadas por un continuum entre la actriz y la activista que recuerda la vigencia del eslogan feminista de los 70 "lo personal es político".
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Tue, 24 Sep 2019 12:21:45 +0200
<![CDATA[Calder-Picasso en Museo Picasso]]> Fecha inicio: 02/02/2020
Fecha fin: 24/09/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2mpATeI
Descripción:
Calder-Picasso será la primera muestra en España dedicada a explorar los vínculos creativos entre dos de los maestros más innovadores del siglo XX: el norteamericano Alexander Calder (1898-1976) y el malagueño Pablo Picasso (1881-1973). Con más de 100 obras de arte, la exposición se centra en una conexión clave y específica entre Calder y Picasso: su exploración del vacío, o la ausencia de espacio, que ambos artistas definieron desde la figura hasta la abstracción. La muestra está comisariada conjuntamente por Alexander S. C. Rower, Presidente de Calder Foundation, New York; Bernard Ruiz-Picasso, Copresidente de Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA); Claire Garnier y Emilia Philippot, Musée national Picasso-Paris; y José Lebrero Stals, Museo Picasso Málaga; y organizada en colaboración con la Calder Foundation, New York y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA), y coproducida por el Museo Picasso Málaga y el Musée national Picasso-Paris. La exposición está patrocinada por Fundación Unicaja y cuenta también con la colaboración de Erco. Alexander Calder y Pablo Picasso -dos de las figuras más influyentes en el arte del siglo XX- desarrollaron formas totalmente nuevas de percibir los grandes temas. El diálogo entre ambos artistas ofrece infinidad de posibilidades y una conexión clave entre ellos puede encontrarse específicamente en la exploración del vacío, o ausencia de espacio, que ambos artistas abordaron en sus obras, partiendo de la figura y llegando hasta la abstracción. Tanto Picasso como Calder nacieron a finales del siglo XIX y sus respectivos padres eran artistas de formación clásica. Ambos dejaron sus países de origen y se marcharon a trabajar a Francia, donde se reinventaron constantemente, destruyendo sus propios precedentes y los de otros artistas, y renovando el arte de su tiempo, así como nuestra manera de percibirlo. Si bien hay ciertos paralelismos y sinergias en el trabajo de estos dos iconos de la modernidad, nunca llegaron a compartir sus ideas artísticas, más allá de un interés compartido en entretenimientos populares como el circo. Sus encuentros personales fueron también escasos. Se conocieron en 1931, cuando Calder presentó su primera exposición de esculturas no objetivas en la Galerie Percier de París; Picasso llegó antes de la inauguración para presentarse a Calder y dedicar algún tiempo a contemplar sus nuevas y radicales obras. Sus caminos se cruzaron de nuevo en julio de 1937, en el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París, donde la Mercury Fountain de Calder se instaló frente al Guernica de Picasso. Calder fue el único artista no español incluido en este pabellón, gracias a su amistad con el arquitecto del mismo, Josep Lluís Sert. Tanto Pablo Picasso como Alexander Calder se convirtieron en celebridades y referentes de su generación: el Museum of Modern Art de Nueva York ofreció una retrospectiva de Picasso en 1940, y una de Calder en 1943. Sus obras también fueron expuestas en la Bienal de São Paulo en 1953, y ambos artistas realizaron obras por encargo de la UNESCO en 1958.
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Tue, 24 Sep 2019 12:18:18 +0200
<![CDATA[Palazuelo_Uslé en Artelandia]]> Fecha inicio: 14/09/2019
Fecha fin: 09/11/2019
Horario: Ver en web
Web: http://www.artelandia.com/es/exposiciones/palazuelo-usle
Descripción:
La Galería Artelandia presenta una cuidadosa selección de obras de los artistas Pablo Palazuelo y Juan Uslé, a través de las que se podrán recorrer los momentos más relevantes de su producción artística. Obras cuya diversidad de técnica y formato, permitirán al visitante adentrarse en la multiplicidad de formas propuesta por sus piezas. Pablo Palazuelo Nació en Madrid, en 1915. Estudió Arquitectura en su ciudad natal y amplió sus conocimientos en Oxford. Tras la Guerra Civil española decidió dedicarse exclusivamente a la pintura y empezó haciendo obras neocubistas. Formó parte de la Joven Escuela Madrileña entre 1946 y1947 que exponía en la Galería Buchholz de Madrid. En 1948 se trasladó a París y se centra en la abstracción. Allí coincidió con Eduardo Chillida y Eusebio Sempere. En 1954, hace su primera incursión en el mundo de la escultura. Regresó definitivamente a España, en 1969, expuso su obra pictórica por primera vez en 1973. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) acogió su primera retrospectiva en 1995 a la que siguieron otras en 2006 (Barcelona) y en 2007 en el Museo Guggenheim Bilbao. La música fue otra de sus aficiones. Falleció en 2007. Premio Kandinsky (1952) Premio Carnegie de Pittsburg (1958) Medalla de Oro de las Bellas Artes (1982) Premio de Artes Gráficas de la Comunidad de Madrid (1993) Premio Tomás Francisco Prieto (1994) Premio CEOE a las Artes (1996) Premio Nacional de Artes Plásticas (1999) Premio Velázquez de Artes Plásticas (2004) Premio creación plástica Comunidad de Madrid (1993) Juan Uslé Nació en Hazas de Cesto (Cantabria), en 1954. En 1973, comenzó sus estudios de Bellas Artes en la Escuela Superior de San Carlos de Valencia. En 1976, realizó su primera exposición en Granada, en la muestra colectiva "Expresionismo Lírico". Más tarde expuso en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra. En 1986 fija su residencia en Nueva York y entra en contacto con todas las tendencias artísticas. En 1992, su obra es seleccionada para la IX Documenta de Kassel. En 1996, el Instituto Valenciano de Arte Moderno organizó una retrospectiva de su obra. En 2005, participó en la exposición titulada "Acentos", que recogía a los artistas más representativos de los últimos 50 años. Actualmente su plástica se caracteriza por el empleo de bandas paralelas de anchos brochazos que recorren la superficie de la tela con enorme delicadeza. Premio Nacional de Artes Plásticas (2002)
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Mon, 23 Sep 2019 17:00:48 +0200
<![CDATA[Berenice Abbott. Retratos de la modernidad en Fundación MAPFRE]]> Fecha inicio: 01/06/2019
Fecha fin: 25/08/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2WJ0W19
Descripción:
Berenice Abbott. Retratos de la modernidad nos propone un recorrido por el universo de la excepcional fotógrafa estadounidense (Springfield, Ohio, 1898 - Monson, Maine, 1991). Berenice Abbott, con su obra, nos abre una puerta a los inicios del siglo XX ofreciéndonos un retrato personal de un momento efervescente. El trabajo de Abbott refleja su moderna visión de una época. Su mirada audaz y pionera se refleja tanto en sus retratos de los artistas e intelectuales más vanguardistas del momento y sus asombrosas vistas de la ciudad de Nueva York como en las fotografías de tema científico en las que retrata los resultados de diversos fenómenos y experimentos. En conjunto, sus fotografías constituyen un excepcional retrato de la modernidad del nuevo siglo. La muestra, formada por casi doscientas fotografías de la artista, está estructurada en tres secciones temáticas. Se exponen también once fotografías de Eugène Atget positivadas por la propia Abbott a finales de la década de los 1950.
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Tue, 18 Jun 2019 11:41:40 +0200
<![CDATA[Balenciaga y la pintura española en Museo Thyssen-Bornemisza]]> Fecha inicio: 18/06/2019
Fecha fin: 22/09/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2EDNdi0
Descripción:
En el verano de 2019, el museo presenta una exposición que vincula la creación de Cristóbal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española entre los siglos XVI y XX. Las referencias al arte y la cultura española estuvieron siempre muy presentes en el trabajo de Balenciaga. Las líneas simples y minimalistas de los hábitos religiosos o el volumen arquitectónico de estos tejidos son una constante en muchas de sus piezas. El aire de la bata de cola de una bailadora flamenca que se deja ver en los volantes de algunos vestidos, los brillos del traje de luces de un torero trasladado con maestría al paillette bordado de una chaqueta bolero, o la estética de la indumentaria en la corte de los Austrias reflejada en las negras telas aterciopeladas adornadas con azabache de sus creaciones, son solo algunos ejemplos. Balenciaga revisaba continuamente la historia del arte y, con una fuerte personalidad y estilo propio, mantuvo esas influencias hasta en su periodo más vanguardista, recuperando hechuras históricas y reinterpretándolas de manera muy moderna. La exposición, comisariada por Eloy Martínez de la Pera, contará con una cuidada selección de cuadros procedentes de colecciones privadas y museos de ámbito nacional, como el Museo del Prado o el Museo de Bellas Artes de Bilbao, y con un conjunto de valiosas piezas de indumentaria procedentes de las siguientes instituciones: Museo Balenciaga de Guetaria, Museo del Traje de Madrid y Museu del Disseny de Barcelona, así como de colecciones particulares nacionales e internacionales, muchas de ellas nunca antes expuestas.
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Tue, 18 Jun 2019 11:38:04 +0200
<![CDATA[Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia en Museo del Prado]]> Fecha inicio: 28/05/2019
Fecha fin: 15/09/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2XaloWf
Descripción:
Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado, investiga el valor artístico del primer Renacimiento florentino, en torno a 1420 y 1430, con especial atención a la figura de Fra Angelico, uno de los grandes maestros de este período. Esta exposición, en la que participan más de 40 prestadores de Europa y América, gravita alrededor de La Anunciación del Museo del Prado, que se exhibe ahora en toda su plenitud tras su reciente restauración. Junto a ella se pueden contemplar la Virgen de la Granada, incorporada a la colección del Prado en 2016, y otras 40 obras de Fra Angelico, así como de otros pintores... Comisario: Carl Brandon Strehlke (Curator Emeritus, Philadelphia Museum of Art)
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Mon, 27 May 2019 15:18:23 +0200
<![CDATA[Colectiva en Artelandia]]> Fecha inicio: 21/05/2019
Fecha fin: 26/07/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2HLcyr2
Descripción:
Esta exposición, como continuidad de la actividad de nuestra galería, se organiza bajo el criterio de mostrar obras asequibles a todas la economías. Obras de formatos muy diversos, diversas técnicas artísticas, que permiten mantener unos precios muy asequibles de artistas consagrados Agustín Redondela Alfonso Albacete Antoni Clavé Bengt Lindström Carlos Nadal Cirilo Martínez Novillo Emilio Grau Sala Eugenio Granell Hernando Viñes Jorge Castillo Juan Barjola Benjamín Palencia Juan Manuel Díaz Caneja Manuel Hernández Mompó Nicolás Martínez Ortiz de Zárate Rafael Durancamps Rafael Zabaleta Ràfols Casamada
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Wed, 22 May 2019 17:30:55 +0200
<![CDATA[Ópera. Pasión, poder y política en Caixa Forum Madrid]]> Fecha inicio: 26/04/2019
Fecha fin: 11/08/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2Ii6oAB
Descripción:
El género operístico nace a finales del XVI y no tardará en trascender la restringida audiencia cortesana inicial, para llegar al gran público de la mano de Claudio Monteverdi. Desde las primeras óperas barrocas, que combinaban una amplia comedia con elementos trágicos, hasta las composiciones más contemporáneas, este género ha experimentado una rica transformación. Esta exposición se fija en los principales Teatros de la Ópera de Europa y recorre su historia con una aproximación desde tres perspectivas complementarias: la vertiente emocional y pasional de las obras; la perspectiva social con luchas de clase y poder; y los aspectos directamente relacionados con los argumentos y la propuesta creativa de las óperas. La coronación de Popea, de Monteverdi inicia el recorrido en la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo, de G. F. Händel para imaginar el Londres de 1711. La música de la ilustración queda representada con Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Viena de 1786. Con Nabucco, de Giuseppe Verdi se llega al Risorgimento italiano en el Milan de 1842. Richard Wagner nos traslada al París 1861 para descubrir el polémico estreno de Tannhäuser. En el idílico Dresden de 1905 se estrenó Salomé de R. Strauss, la obra que provocó escándalo en su momento por su pretendida locura e indecencia. Lady Macbeth, de Dmitri Shostakóvich, nos adentra al Leningrado de 1934 y la censura propia del régimen soviético. Por último, se completa la muestra con una importante sección dedicada a la Barcelona modernista que acogió el estreno de la ópera Pepita Jiménez de Isaac Albéniz en 1896. Esta sección es fruto de la cooperación con el Gran Teatre del Liceu, coincidiendo con el 20 aniversario de la reconstrucción del
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Tue, 07 May 2019 18:07:51 +0200
<![CDATA[De Chagall a Malévich: el arte en revolución en Fundación MAPFRE]]> Fecha inicio: 09/02/2019
Fecha fin: 05/05/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2MuHnCe
Descripción:
A principios del siglo XX Rusia se consolidó como uno de los centros de la vanguardia artística mundial del que surgieron algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos. Muchos artistas del país viajaron a Francia y Alemania, donde entraron en contacto con los movimientos culturales más avanzados, y algunos coleccionistas cumplieron un papel clave al adquirir numerosas obras vanguardistas en las galerías de París, para fomentar la difusión de ese arte nuevo en las capitales rusas. El ambiente social que desembocó en la Revolución de Octubre de 1917 explica de qué modo las propuestas de estos artistas acompañaron, anunciaron o glosaron lo que iba a ser el proceso revolucionario y el cambio de paradigma que conllevó su llegada. Porque no fue la revolución la que forjó las vanguardias y la modernidad: fueron los artistas los que se erigieron en revolucionarios, seguros de que cuando llegara la revolución se convertiría en lo que esperaban, y, por consiguiente, en lo que la misma esperaba de ellos. La realidad no cumplió sus expectativas, dando origen a desilusiones, que también fueron las semillas de un nuevo lenguaje visual. La muestra tiene como figuras de referencia a Marc Chagall y Kazimir Malévich, en la medida en que representan dos polos en las innovaciones de la vanguardia pictórica: el caso de Chagall, más poético y narrativo que abre el camino al surrealismo; el de Malévich, más radical y tendente a la abstracción geométrica. Entre ambos se despliega la obra de otros veintisiete artistas que trabajan la pintura y la escultura al tiempo que contestan los principios fundamentales de esas artes. En el elenco de creadores es destacable la presencia de una importante nómina de mujeres artistas, cuyo trabajo resultó fundamental en el desarrollo de las vanguardias rusas previo y posterior a la Revolución de Octubre. Entre otros, Natalia Goncharova, Liubov Popova, El Lisitski, Vassily Kandinsky o Alexandr Ródchenko, así como de una selección de artistas responsables de la renovación del campo del diseño gráfico, que vive un extraordinario desarrollo en esas décadas de fervor creativo y compromiso político. La exposición concluye en los años treinta, momento crítico en que los artistas ven reducida su capacidad de acción ante la evolución del régimen hacia un estado totalitario.
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Wed, 10 Apr 2019 12:46:03 +0200