Openart - Exposiciones http://www.openart.com/exposiciones Últimas exposiciones en Openart! es Wed, 23 Jan 2019 05:59:50 +0100 Exposiciones 60 <![CDATA[Jaume Plensa Invisibles en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 16/11/2018
Fecha fin: 03/03/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/jaume-plensa
Descripción:
Desde sus comienzos como escultor, Jaume Plensa (Barcelona, 1955) recurre a la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva como fuentes fundamentales para trabar su expresión plástica. La literatura, la psicología, la biología, el lenguaje y la historia devienen herramientas estratégicas en la creación de sus obras. Con un amplio espectro de materiales (acero, hierro fundido, resina, vidrio, agua o sonido), Plensa proporciona peso y volumen físico a los componentes de la condición humana y lo efímero. Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo. Artista polifacético, Jaume Plensa ha experimentado por igual con el grabado, el dibujo, el sonido, el vídeo e incluso la escenografía. Es uno de los creadores españoles de mayor proyección internacional. Ha vivido y trabajado en Alemania, Gran Bretaña, Francia y los Estados Unidos. Tras su primera exposición individual en 1980, en la Fundació Joan Miró de Barcelona, su obra se ha mostrado en museos de todo el mundo, entre ellos la Galerie nationale du Jeu de Paume de Paris, Francia; el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania; el Nasher Sculpture Center de Dallas, EE.UU.; el Espoo Museum of Modern Art de Helsinki, Finlandia; el Toledo Museum of Art, Toledo, EE.UU.; el Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint Étienne, Francia o el Madison Museum of Contemporary Art, EE.UU. Una parte importante de su trabajo son piezas escultóricas e instalaciones que se han realizado específicamente para espacios públicos. Quizás la obra más conocida sea Crown Fountain, en Chicago, fechada en 2004. Sus obras se pueden ver en países como Gran Bretaña, Japón, Alemania, Suecia, Canadá, Estados Unidos, Australia, Corea o China. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales: la Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres del Ministerio de Cultura francés en 1993; el Premi Nacional de Cultura d'Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya en 1997; el Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2012; y el prestigioso Premio Velázquez de las Artes en 2013, los dos últimos del Ministerio español de Educación, Cultura y Deporte. Fue investido Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute de la Universidad de Chicago en 2005 y recibió el Global Fine Art Award en Miami en 2015 por Together, su participación en la Bienal de Venecia del mismo año. Este proyecto coincide con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) con obras desde la década de 1980 hasta las más recientes, en un recorrido que refleja el diálogo, recurrente en la trayectoria de Plensa, entre la representación de la figura humana y la abstracción.
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Tue, 22 Jan 2019 17:51:37 +0100
<![CDATA[Poéticas de la democracia Imágenes y contraimágenes de la Transición en Museo Nacional de Arte Reina Sofia]]> Fecha inicio: 05/12/2018
Fecha fin: 25/11/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/poeticas-democracia
Descripción:
5 diciembre, 2018 - 25 noviembre, 2019 / Edificio Nouvel, Planta 0 Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición tiene su origen en la investigación emprendida en 2008 por el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofia, con el objetivo de reivindicar las experiencias artísticas excluidas del discurso institucional de la historia del arte español de la década de 1970. Este cambio de perspectiva se ha ido traduciendo en nuevas narraciones y procesos de patrimonialización de materiales que, unidos a una recuperación de lo político -fundamental en la España de esos años-, permiten evocar acontecimientos en los que diversos artistas (y los soportes y medios que utilizaron), abandonando su estudio, participaron en comunidad y llevaron su obra más allá de la objetualidad. Con esta exposición, que pone el acento en lo participativo, reivindicativo y colectivo, el Museo da visibilidad a este proceso de investigación que ha llevado a cabo durante una década, rememorando un periodo en el cual, junto a las demandas civiles en favor de las libertades democráticas, la justicia social y el autogobierno, surge una nueva estética vinculada a prácticas culturales innovadoras que buscan subvertir el orden franquista y los diseños institucionales que tratan de heredarlo. En este contexto, el relato de la exposición se inicia con un caso de estudio contrapuesto a esos procesos de emergencia de una cultura juvenil y ciudadana de voluntad autónoma: la Bienal de Venecia de 1976, un acontecimiento artístico -cuya transcendía política no ha sido lo suficientemente estudiada- que encierra un discurso cerrado y representativo del arte antifranquista del momento. Las vicisitudes, conflictos, diálogos y articulaciones teóricas que se sucedieron dentro y fuera de España durante la organización de la Bienal, bien pueden funcionar como metáfora de una época convulsa para la historia española: la transición de una dictadura militar de 40 años de duración a una democracia. Este periodo, que suele ser considerado por los historiadores como un momento marcado por el consenso, aparece sin embargo atravesado por numerosos desafíos, desencuentros y contradicciones, los cuales acompañarán a la nueva oficialidad institucional, que comienza a configurarse en paralelo a aquella Bienal.
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Tue, 22 Jan 2019 17:48:14 +0100
<![CDATA[Colectiva en Artelandia]]> Fecha inicio: 29/11/2018
Fecha fin: 13/02/2019
Horario: Ver en web
Web: http://www.artelandia.com/es/exposiciones/colectiva
Descripción:
Colectiva Del Jueves 29/11/2018 al 31/01/2019 La galería Artelandia presenta una exposición colectiva desde el 29 de noviembre de 2018 hasta el 31 de enero de 2019. Una selección de obras que recorren el arte contemporáneo a través de los fondos de nuestra galería, diversas tendencias artísticas forman parte de las propuestas que podréis encontrar en esta exposición. Entre los artistas que forman parte de este proyecto expositivo contamos con Antonio Saura, Antoni Tàpies, Albert Ràfols-Casamada, Manuel Rivera, José Manuel Broto, José Guerrero, Victor Vasarely, Eduardo Chillida, Joan Hernández Pijuán, Bosco Sodi etc.
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Thu, 29 Nov 2018 12:58:07 +0100
<![CDATA[Joaquín Mir. Naturaleza y color en Galeria Jordi Pascual]]> Fecha inicio: 03/12/2018
Fecha fin: 31/01/2019
Horario: Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h y 16:30h a 20:30h; Sábados 10:30h a 14:00h
Web: www.galeriajordipascual.net
Descripción:
Durante los meses de diciembre y enero, la Galeria Jordi Pascual presenta una exposición monográfica sobre el artista impresionista Joaquín Mir (Barcelona 1873 - 1940). Bajo el título de "Joaquín Mir. Naturaleza y color" la muestra reúne una docena de paisajes que el artista pintó en distintos momentos de su vida. En la exposición se puede ver desde una obra temprana, de 1897, hasta una selección de pinturas de los periodos del Camp de Tarragona, el Vallès y Vilanova i la Geltrú. Como obras importantes expuestas destacan "El Mas Blau", de gran calidad pictórica y dimensiones espectaculares, y "Noviembre", óleo premiado con la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Madrid de 1930. Joaquín Mir fue un paisajista excepcional, un pintor con una personalidad artística única que, a través de su rica paleta de colores, la pincelada ágil y la forma especial en que captaba la luz, fue capaz de revolucionar y cambiar el género paisajístico español del momento.
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Thu, 22 Nov 2018 11:34:36 +0100
<![CDATA[Más allá de 2001. Odiseas de la inteligencia en Espacio Fundación Telefónica]]> Fecha inicio: 31/10/2018
Fecha fin: 17/02/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2yGpXNc
Descripción:
Tomando como punto de partida '2001: Una odisea del espacio' de Stanley Kubrick, esta exposición nos invita a un viaje por los orígenes, el presente y el futuro de la inteligencia humana y de uno de sus proyectos más ambiciosos: la inteligencia artificial. Nuestros más remotos ancestros crearon instrumentos rudimentarios -tecnologías- de piedras y huesos, que desempeñaron un importante papel en la supervivencia de la especie. Hoy creamos computadoras y programas de IA, que corroboran el extraordinario avance del conocimiento humano y anuncian importantes transformaciones en nuestras sociedades. La película que mejor ha trazado esta transición es '2001: Una odisea del espacio', de Kubrick, estrenada hace ahora cincuenta años. En sus tres episodios, el reparto de los protagonistas incluye tanto al mono humanoide de hace cuatro millones de años que descubre la «primera» arma, como al ordenador superinteligente HAL 9000, la más avanzada tecnología que controla la nave espacial Discovery y a sus tripulantes. Preguntado por la inteligencia artificial, Stanley Kubrick escribió: "Una de las cuestiones más fascinantes que surgen al imaginar ordenadores más inteligentes que los seres humanos es hasta qué punto la inteligencia automática merece la misma consideración que la inteligencia biológica. Uno podría sentirse tentado de preguntarse en qué es menos sacrosanta la inteligencia artificial que la inteligencia biológica. Y podría llegar a ser difícil optar por una conclusión halagadora a favor de la inteligencia biológica". Medio siglo después de su película y de la novela homónima de Arthur C. Clarke, parece más relevante que nunca replantearse esta pregunta. Comisariada por Claudia Giannetti,-una de las especialistas más relevantes del media art- esta exposición está articulada también en tres ejes temáticos: El despertar de la inteligencia, En el universo de la IA y El futuro de las inteligencias y más allá del infinito. La muestra establece analogías entre escenas de '2001' acompañadas de documentos y manuscritos originales de Kubrick, y una selección de piezas y obras significativas que permiten descubrir la relación entre seres humanos y máquinas "pensantes". La estructura narrativa de esta exposición se articula en torno a diez preguntas, que plantean aspectos relevantes acerca de la inteligencia humana y de las potencialidades de las tecnologías de IA. Con un especial acento en la sinergia entre arte, ciencia y tecnología, el principal propósito de este proyecto es mostrar la evolución de la inteligencia humana y artificial a partir de sus hitos históricos, sus aplicaciones actuales y las fascinantes perspectivas que sugiere el por venir.
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Wed, 31 Oct 2018 11:40:57 +0100
<![CDATA[Lee Miller y el surrealismo en Gran Bretaña en Fundació Joan Miró]]> Fecha inicio: 31/10/2018
Fecha fin: 20/01/2018
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2SynoVJ
Descripción:
Comisariado Eleanor Clayton (The Hepworth Wakefield), con el apoyo en Barcelona de Martina Millà, Teresa Montaner y Sònia Villegas (Fundació Joan Miró) Con el patrocinio exclusivo de Fundación BBVA La exposición Lee Miller y el surrealismo en Gran Bretaña nos aproxima a uno de los polos más importantes de la compleja red internacional del movimiento surrealista. La fotógrafa norteamericana Lee Miller y su compañero, el artista inglés Roland Penrose, ejercieron de embajadores de la causa surrealista en territorio británico y establecieron una estrecha relación con Joan Miró, quién mantuvo un contacto permanente con la escena británica que culminó, en 1964, con una exposición monográfica en la Tate Gallery. La muestra nos invita a descubrir las actividades del círculo surrealista en tierras británicas desde la mirada de una de sus más destacadas integrantes, la fotógrafa Lee Miller. Con su figura como eje vertebrador, la exposición aborda desde la década de los treinta hasta principios de los cincuenta del siglo pasado a través de nueve capítulos que ofrecen una amplia selección de obras y autores, y permiten adquirir un conocimiento más profundo del impacto del movimiento surrealista en el Reino Unido y su dimensión internacional. La exposición incluye pinturas, esculturas y fotografías de Joan Miró, Man Ray, Paul Nash, Salvador Dalí, Eileen Agar, Max Ernst, Henry Moore, Leonora Carrington, Yves Tanguy, Roland Penrose y Lee Miller, entre otros. Lee Miller y el surrealismo en Gran Bretaña es una producción de The Hepworth Wakefield en colaboración con la Fundació Joan Miró. La versión ampliada que se presenta en Barcelona cuenta con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA.
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Wed, 31 Oct 2018 11:36:40 +0100
<![CDATA[Aquí y Ahora 7ª Edición "The wrong way" en Blanca Soto Arte]]> Fecha inicio: 25/10/2018
Fecha fin: 10/12/2018
Web: www.galeriablancasoto.com
Descripción:
Aquí y Ahora 7 "The wrong way" Abierto el plazo de inscripción para la 7ª edición de "Aquí y Ahora". Las propuestas podrán enviarse hasta el 10 de diciembre a esta dirección de correo electrónico aquiyahora.galeriablancasoto@gmail.com La forma incorrecta, el camino equivocado, la dirección prohibida, estas son algunas traducciones posibles de the wrong way. Pretendemos visibilizar una vez más los usos, aplicaciones y utilidades de las investigaciones que realizan los creadores contemporáneos. El otro lado, el lado oculto, el silenciado; "The dark side". La raíz, los fundamentos esenciales más significativos de la creación son camuflados, silenciados y tergiversados por sus connotaciones de progreso y cambio social. Líneas de crecimiento que inevitablemente divergen de las convenciones, intereses y parámetros socioeconómicos preestablecidos.Un conocimiento que no debe ser explicado, entendido, ni comprendido por la masa social. Conceptos que no deben ser utilizados en la educación o marco de "instrucción" social preparatoria para la correcta inserción y acoplamiento en la estructura o engranaje. Alejarse de la corriente hegemónica principal, unidirectiva, supone "equivocarse de dirección" y caminar por los límites o bordes marginales de lo "underground". Bases e inscripción aquí: https://www.galeriablancasoto.com/aqui-y-ahora7 Mas información sobre Aquí y Ahora: https://www.galeriablancasoto.com/aqui-y-ahora-proyecto
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Thu, 25 Oct 2018 17:32:53 +0200
<![CDATA[Beckmann. Figuras del exilio en Museo Thyssen-Bornemisza]]> Fecha inicio: 25/10/2018
Fecha fin: 27/01/2019
Horario: Ver en web
Web: https://www.museothyssen.org/exposiciones/beckmann-figuras-exilio
Descripción:
En otoño de 2018 el museo dedica una exposición monográfica a Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950), uno de los artistas alemanes más destacados del siglo XX. Aunque próximo en sus inicios al expresionismo y a la nueva objetividad, Beckmann desarrolló una pintura personal e independiente, de signo realista pero llena de resonancias simbólicas, que se alzaba como un testimonio vigoroso de la sociedad de su tiempo. La muestra, comisariada por Tomàs Llorens, reúne más de medio centenar de obras, entre pinturas, litografías y esculturas, siguiendo un recorrido temático con el que presentar su obra en dos secciones. La primera parte, de menor tamaño, cubre la etapa vivida en Alemania desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, cuando comienza a ser reconocido públicamente, hasta el ascenso del fascismo en la década de 1930, cuando es expulsado de la escuela de arte de Frankfurt en la que daba clases y se le impide exponer sus obras en público. La segunda parte, más extensa, se dedica a los años de Ámsterdam y Estados Unidos, donde vivió tras verse obligado a abandonar Alemania, y está estructurada en torno a cuatro metáforas relacionadas con el exilio, entendido no sólo literalmente, sino como condición existencial del hombre moderno: Máscaras, centrada en la pérdida de identidad que se asocia con la circunstancia del exiliado; Babilonia eléctrica, sobre el vértigo de la ciudad moderna como capital del exilio; El largo adiós, que plantea la equivalencia entre exilio y muerte, y El mar, metáfora del infinito, su seducción y su extrañamiento. La exposición se presentará posteriormente en la sede de CaixaForum en Barcelona, del 21 de febrero al 26 de mayo de 2019.
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Tue, 23 Oct 2018 18:10:15 +0200
<![CDATA[Alberto Giacometti. Retrospectiva. en Museo Guggenheim]]> Fecha inicio: 19/10/2018
Fecha fin: 24/02/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2q28YjS
Descripción:
Esta exposición recorre cuatro décadas de producción de Alberto Giacometti (1901-1966), uno de los artistas más influyentes del siglo XX. A través de más de 200 esculturas, pinturas y dibujos, la muestra ofrece una perspectiva singular de la obra de este autor, y pone de relieve la extraordinaria colección de obras de arte y material de archivo reunida por la viuda del artista, Annette, que se conserva en la Fondation Giacometti de París. Giacometti nace en Suiza en el seno de una familia de artistas. Su padre, el conocido pintor neoimpresionista Giovanni Giacometti -de quien se exponen tres cabezas realizadas por el joven Alberto-, le inicia en la pintura y la escultura. En 1922 Alberto Giacometti se traslada a París para profundizar en su formación artística y cuatro años más tarde se instala en el que será su taller hasta el final de sus días, un espacio alquilado, de apenas 23 metros cuadrados, en la calle Hippolyte-Maindron, cerca de Montparnasse. En aquella estrecha y minúscula habitación Giacometti crea una visión muy personal del mundo que le rodea. La figura humana es un tema fundamental en el trabajo del artista. A lo largo de los años, realiza obras inspiradas en las personas de su entorno, principalmente en su hermano Diego, su esposa Annette, sus amigos y amantes. "Desde siempre, la escultura, la pintura y el dibujo han sido para mí medios para comprender mi propia visión del mundo exterior y, sobre todo, del rostro y del conjunto del ser humano. O, dicho de una forma más sencilla, de mis semejantes y, especialmente, de aquellos que, por un motivo u otro, están más cerca de mí, afirmó el artista." Las ideas de Giacometti sobre cómo abordar la figura humana se han convertido en cuestiones esenciales en el arte contemporáneo para las siguientes generaciones de artistas.
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Fri, 19 Oct 2018 11:57:48 +0200
<![CDATA[Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre en Caixa Forum Barcelona]]> Fecha inicio: 18/10/2018
Fecha fin: 20/01/2018
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2LPTo33
Descripción:
Las calles, los cabarets y los cafés del barrio de Montmartre fueron escenario de una explosión creativa, marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 - Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía. La exposición, que consta de más de 350 obras con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, representa un viaje por el París bohemio de entre siglos. Una muestra multidisciplinar para comprender el papel fundamental que el espíritu de Montmartre tuvo en el desarrollo del arte moderno, y la manera en la que Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos influenciaron en la evolución de la producción artística efímera: carteles, ilustraciones, impresiones y diseños, que expandieron a nuevos públicos el espíritu bohemio y las creaciones artísticas.
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Thu, 18 Oct 2018 12:11:37 +0200
<![CDATA[ El sur de Picasso. Referencias andaluzas en Museo Picasso]]> Fecha inicio: 09/10/2018
Fecha fin: 03/02/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2JLoM1V
Descripción:
El sur de Picasso. Referencias andaluzas es una exposición del Museo Picasso Málaga que, con el auspicio de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y patrocinada por la Fundación Unicaja, recorre la historia del arte español mostrando obras de Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros como Zurbarán, Velázquez, Murillo, Goya, María Blanchard y Juan Gris, entre otros, en una ambiciosa muestra que transita desde el arte íbero, pasando por la antigüedad clásica y desembocando en la modernidad de sus coetáneos. La influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que sustentan esta aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad o los ritos. "Para mí no hay ni pasado ni futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente no ha de ser considerada en absoluto. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otras épocas no es un arte del pasado, tal vez está más vivo hoy de lo que lo estuvo nunca".
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Tue, 09 Oct 2018 17:17:51 +0200
<![CDATA[Bartolomé Bermejo en Museo del Prado]]> Fecha inicio: 09/10/2018
Fecha fin: 27/01/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2DzMks6
Descripción:
El Museo del Prado presenta una muestra antológica que, organizada con el Museu Nacional d'Art de Catalunya, permitirá admirar por primera vez en toda su dimensión el virtuosismo técnico y el sugestivo universo visual de Bartolomé Bermejo, un maestro de origen cordobés que desarrolló su actividad profesional en los territorios de la Corona de Aragón. Bartolomé Bermejo fue una de las personalidades más fascinantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XV y esta exposición, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de la Fundación Banco Sabadell, reúne por primera vez la mayor parte de sus obras conservadas, repartidas por museos y colecciones de España, Europa y Estados Unidos como San Miguel triunfante sobre el demonio con Antoni Joan de Tous, procedente de la National Gallery de Londres o Piedad Desplà de la Catedral de Barcelona, entre otras.
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Tue, 09 Oct 2018 17:14:18 +0200
<![CDATA[Lempicka _reina del Art Decó en Arthemisia group]]> Fecha inicio: 05/10/2018
Fecha fin: 24/02/2019
Horario: Ver en web
Descripción:
El título de la exposición considera a Lempicka "reina del Art Decó", pese a que no participó en la exposición fundamental dedicada al movimiento que se presentó en París en 1925, porque Polonia, su país, envió a otros dos artistas en representación. Sin embargo, no se había terminado de desmontar aquella exhibición cuando ella ofrecía ya su primera individual en Milán, y solo habían pasado tres años desde que había participado en su única muestra hasta entonces: la Lempicka demostró ser capaz de convertirse en figura del arte internacional, por sus propios medios, en un tiempo mínimo. Y aquel fue el primero de una serie de hitos que probarían que su constancia trabajando (y sus buenas dotes relacionándose, vendiendo su obra y generando en torno a sí misma un aura de glamour difícil de igualar) serían bastantes para dar a conocer su obra, y a sí misma y su elegancia en el camino. La exposición no solo no obvia esos aspectos, sino que se recrea en ellos y subraya las personalidades con las que se codeó - Dalí entre ellos-, los ambientes privilegiados que cultivó y el mobiliario y la moda que le fueron familiares. Hablando de moda, hay que recordar que muchos aristócratas rusos se labraron un futuro en Francia dedicándose a su diseño y que la propia Lempicka fue ilustradora de revistas del ramo, como Femina. El lenguaje de sus pinturas es el propio del Art Decó: decorativo, comprensible, eficaz y sin pretensiones intelectuales. Una "sencillez" en lo conceptual que no implica que sus obras no transmitan esencias de un tiempo: la aspiración a la vida, la libertad y el disfrute que marcó esos años sin guerras y que pronto se vio desbaratada, y también una creciente atención a la mujer y sus deseos. Pero notas evidentes la separan de los creadores decó habituales: no trabajó con formas orgánicas sino con geometrías rotundas, los colores son en su pintura más brillantes que matizados y acentuó lo lineal y la simetría. En lo que no se distanció de ellos esta autora (polaca de origen, pero con múltiples nacionalidades por los avatares de su vida y de Europa entonces) es en que idolatró y persiguió hasta la obsesión todo lo moderno, incluida la tecnología, los nuevos lenguajes de la publicidad y, desde luego, la citada moda. Sin embargo, esa modernidad tan ansiada del Art Nouveau hoy la consideramos relativa (lo esbozamos hace algunos meses en el rebobinador), porque lo que sí dejaron a un lado estos modernistas fue la disgregación de la imagen propia de las vanguardias históricas; hay quien considera que ellos volvieron al orden antes de que emprendieran ese camino los impulsores de la Nueva Objetividad.
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Mon, 08 Oct 2018 13:47:53 +0200
<![CDATA[Roy Lichtenstein: Posters en Fundación Canal]]> Fecha inicio: 04/10/2018
Fecha fin: 05/01/2019
Horario: Ver en web
Web: https://bit.ly/2OzENOK
Descripción:
A partir del próximo 4 de octubre, se podrá visitar en la Fundación Canal, la exposición "Roy Lichtenstein: Posters". Esta colección, que se expondrá por primera vez en España, reúne algunos de los posters más representativos del artista -un total de 76- y ofrece una visión general de su universo creativo. Lichtenstein fue uno de los máximos exponentes del arte pop americano. Junto a sus contemporáneos, como Andy Warhol o Robert Indiana, Lichtenstein creó un nuevo lenguaje artístico al incorporar a su obra aspectos de la vida cotidiana, de la sociedad de consumo y de la cultura de masas. En relación con esta idea de popularización del arte, Lichtenstein utiliza nuevos soportes, considerados hasta entonces poco académicos, para el desarrollo de sus creaciones, como es el caso del cómic o los anuncios publicitarios. Todo esto se aprecia en los posters que forman parte de la próxima muestra de la Fundación Canal, a través de los cuales, Lichtenstein, no sólo promociona sus propias exposiciones en museos y galerías de arte, sino que también anuncia eventos, publicaciones o promueve causas sociales.
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Thu, 04 Oct 2018 11:58:29 +0200
<![CDATA[Picasso descubre París en Museu Picasso]]> Fecha inicio: 21/09/2018
Fecha fin: 20/01/2019
Horario: Ver en web
Web: http://www.bcn.cat/museupicasso/es/exposiciones/picasso-descubre-paris.html
Descripción:
El Museu Picasso de Barcelona presentará piezas impresionistas y simbolistas del Musée d'Orsay de París. Estas obras permitirán al público comprender el impacto que experimentó el joven Picasso en sus dos primeros viajes a París. A mediados de septiembre, el Museu Picasso de Barcelona mostrará piezas de Bartholomé, Carrière, Delacroix, Manet, Toulouse-Lautrec, Cappiello, Degas, Cézanne, Steinlen y Gauguin, entre otros, procedentes de la colección permanente del Musée d'Orsay y el Musée national Picasso-Paris. Esta intervención en las salas de nuestra colección permanente nace del intercambio de obras en préstamo que el Museu Picasso lleva a cabo con motivo de la muestra Picasso bleu et rose del Musée d'Orsay de París, organizada con el Musée national Picasso-Paris, y pondrá de manifiesto la admiración de Picasso hacia algunos artistas de la escena parisiense de principios del siglo XX. La selección de obras ha sido realizada a partir de una crítica de Felicien Fagus, publicada en la Revue Blanche el 15 de julio de 1901 con motivo de la exposición de Picasso e Iturrino en la Galerie Vollard, y de las obras de Pablo Picasso que hacen referencia a otros artistas. Las obras que Picasso vio en directo en sus primeros viajes a París se relacionarán con piezas de la colección del Museu.
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Tue, 25 Sep 2018 18:09:22 +0200